Images Perdues a book by Joe Palermo

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from the play Images Perdues directed by Joe Palermo
® PROFILE ORIGINAL ®
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1147242309 JOE PALERMO
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1. Images Perdues, projet collectif, interdisciplinaire et métissé

Nous avons mis en oeuvre un projet pluridisciplinaire à large visée autour de rencontres urbaines autour de la rive droite de la région parisienne: Vox Pop, séances photos et tournage du film mise en abyme d'Images Perdues, "Invisible", à Pierrefitte .

Le projet du spectacle s’est constitué, dès le départ, sur l’idée de
formation d’un collectif et sur la notion de métissage (des arts et des
cultures), que nous voyons émerger du coeur même du langage du mime.

2. Genèse d'Images Perdues

Une écriture à deux mains menées en différentes étapes

Deux visions du théâtre foncièrement différentes se sont rencontrés et se sont fusionnées.

La vision de Joe Palermo: un théâtre muet, d'images et de mouvement, et un théâtre logocentrique représenté par les dialogues Stefano Rosatelli

3. La mise en scène d'Images Perdues

Quelques axes de travail

Une interdisciplinarité au sein du collectif : la direction des acteurs
(expression scénique, entraînement physique et vocal, travail des rôles)
est conduite, en étroite collaboration, par le metteur en scène et le directeur d'acteurs. Parallèlement évoluent les groupes de travail vidéo (film mise en abyme), décor, masques, costumes, lumière (cf : notes d’intention des différents groupes).
Tous les membres du collectif, y compris ceux des différentes équipes
techniques, ont participé au moins épisodiquement à l'entraînement
physique. L’approche du travail de l’interprète doit se fonder sur une
meilleure compréhension de ses exigences sur scène, à commencer par la
liberté de mouvement et d’expression vocale.

Le mime est toujours présent sur scène : les comédiens sont
tous impliqués de façon ininterrompue dans le jeu: les comédiens se
détachent de leurs rôles dites réels pour se dédoubler en tant que mimes.

A l’issue de chaque intervention en tant que personnage, ils redeviennent
spectateurs, ce qui permet une certaine prise de distance par rapport à la
fable.

Cela permet aussi de se relier à une forme théâtrale dont les coulisses
sont quasi absentes, où la pratique de recherche est constante, et qui ne
peut pas se faire sans un engagement total de la part des acteurs.
Trouver un souffle partagé, une respiration commune.
Le travail sur les rôles : avec une distribution pensée en relation
aux personnalités du collectif, les rôles sont travaillés dans une
recherche d’improvisation corporelle et vocale, pour habituer les
acteurs à cette double présence personnage -spectateur ainsi qu’à un
langage qui s’éloigne du théâtre réaliste et se libère du quotidien pour
affirmer une forme plus universelle d’expression.

Prendre le temps : cela permet d’élargir la recherche, d’entrer
dans les détails, de se poser toutes les questions nécessaires au
déroulement du projet et de s’arrêter un instant pour formuler des
réponses constructives.

S’engager ensemble dans la “grande aventure”, appréhender le fonctionnement de la vie de troupe, même si nous sommes ici, à Paris, confrontés au quotidien de la ville et de l’expérience individuelle. Il nous tient à coeur de souligner, de cette façon, que le théâtre, malgré tout ce que l’on peut en dire, reste essentiellement une “affaire humaine” : sans hommes, sans
femmes, ni enfants, d’un côté et de l’autre de la scène, sur le plateau, en coulisse ou dans la salle, il ne peut pas y avoir de théâtre. L’échange est pour moi au centre de tout travail artistique.

4. Un projet interdisciplinaire

Note d'intention sur le travail corporel du comédien

Le training vise principalement, à travers des exercices pratiques, à
valoriser l’expression naturelle des acteurs. Le travail de composition
est donc principalement basé sur le mime.
Comment à partir du travail que chaque individu propose peut-on arriver à
des mouvements connus de tous et qui relèvent de "l'imagerie collective"?
Nous nous inspirons d'expériences précédentes d'artistes qui ont remplacé la parole par l'expression corporelle quelque soit le médium employé: Étienne Decroux, la Commedia dell Arte, le cinéma de Godard et d'Antonioni et l'expression du clown.

Note d'intention scénographique : costumes, masques, décors.

Tout d'abord, nous nous attachons à respecter certaines conditions
d'adaptabilité aux lieux où se produira le spectacle, que ce soit en salle,
dans un théâtre ou en extérieur (lieux très variés du point de vue des
dimensions et des moyens techniques disponibles).

Tous les éléments du décor sont manipulés à vue par les comédiens tout au
long des scènes et font donc partie intégrante de leur jeu. L'espace
scénique est définit par les comédiens. Nous nous inspirons de l'univers
des jouets pour enfants.

Nous tenons compte des idées qui surgissent au cours des répétitions, qui seront certainement propres à apporter des modifications à la
scénographie en elle-même. Le travail sur les masques et les costumes suit
donc cette logique. C'est avec cet esprit et l'envie d'en apprendre plus à
travers ces rencontres et les improvisations des comédiens que nous prenons part à la création de cette oeuvre.

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