El arte en la España post franquista

Introducción
El arte y la historia del arte producidos durante la "transición" española y en los años 80 y parte de los 90 se construyó sobre la base de premisas hipotecadas. Por un lado, las contradicciones ideológicas de la vanguardia bajo el franquismo fueron en parte heredadas por numerosos artistas, críticos, historiadores e instituciones. Por otro lado, el intento de "normalizar" la función del arte contemporáneo, mediante su internacionalización y comercialización, o bien mediante su reelaboración castiza, chocó también con herencias mal asumidas del pasado, tanto desde el punto de vista político como estilístico. La historia del arte resultante de todo ello ha acabado enmudeciendo prácticas artísticas que ofrecieron formas alternativas a los modelos oficiales.

Sinopsis
Gracias al legado del capitalismo franquista, la España de los primeros años ochenta interiorizó la modernidad sólo en su relación con la dictadura: lo moderno estaba demasiado contaminado de franquismo y de antifranquismo. Una vez acabada la dictadura, muchos pensaron que también quedaba suspendida la modernidad. Sin militares, la vanguardia dejaba también de militar y adoptaba el hedonismo como motor de cambio. El nuevo país se agarró como pudo a la posmodernidad para escribir un relato de la transición en el marco de una renovada marca de alegría y confianza. Las nuevas políticas refundaron la cultura “como un elemento básico de su amor por la libertad” (Felipe González, 1982) y el imaginario oficial se abrigó con ella. Una parte importante de una pintura y una crítica deseosas de desenchufarse de todo contenido programático, adoptaron lo posmoderno como una renovada ocasión para definir lo propio, sin las cortapisas presentes durante la clandestinidad: se trataba de liberar al arte de sus hipotecas extrartísticas y poderlo conectar, sin complejos, con tradiciones y fuentes; y sobre todo, devolvérselo al artista. ¿Qué pasó finalmente? ¿qué curso tomaron las quimeras de toda una generación? El filósofo Gianni Vattimo dijo en 1989 que España era sin duda uno de los modelos de sociedad posmoderna… ¿era así? ¿qué quiso decir con posmoderno? El hecho de que fuera el crítico y comisario de arte, Federico Jiménez Losantos, quien introdujera a Lyotard en España en 1979, con su edición crítica de Discurso, figura, debería servirnos como evidencia de la necesidad de profundizar más en los imaginarios de una parte significativa del arte contemporáneo español, que sirvieron para que muchos transitaran cómodamente de la vanguardia al neoliberalismo nacionalista.

En la década de los noventa, el hundimiento del mercado artístico, protagonizado por el desinterés internacional hacia España gracias a la aparición de los mercados excomunistas, produjo una institucionalización del fomento artístico, cuyo resultado fue la creación de un ingente número de infrastructuras museísticas que, en nombre de la cultura, legitimaron dinámicas urbanísticas e industrias turísticas, desatendiendo gravemente el reconocimiento de plataformas y recursos de gestión autónoma. Al mismo tiempo, el desarrollo de las políticas culturales autonómicas y de las marcas culturales consiguientes, junto al hecho de utilizar cada vez más el arte y la cultura como palancas de políticas diplomáticas, condujeron a un vaciado de la proyección social del arte, y con el tiempo, ya en la primera década del siglo, a la mera desaparición del arte de los imaginarios políticos. En parte, como respuesta a todas estas circunstancias, aparecen tendencias en la producción artística española que comenzaron a cuestionar el papel institucional en los imaginarios creativos, subrayando cada vez más análisis de memoria histórica, de implicación social, procediendo a una mayor interlocución con esferas comunitarias y apostando por una reinterpretación del valor y función de la imagen en entornos no estrictamente artísticos o, por razones de una creciente globalización del capital.

Objetivos
Trazar la evolución de los imaginarios estéticos, sociales, económicos y políticos que han constituido el telón de fondo de la producción artística española desde la transición en adelante.

Jorge Luis Marzo
(Barcelona, 1964). Historiador del arte, comisario de exposiciones, escritor y profesor de la Escuela Elisava/Universitat Pompeu Fabra de Barcelona. Entre sus recientes proyectos curatoriales destacan El d_efecto barroco. Políticas de la imagen hispana (CCCB 2010, CAC de Quito, 2011), Low-Cost. Libres o cómplices (FAD, 2009) y Spots electorales. El espectáculo de la democracia (Palau de la Virreina, 2008); y en el ámbito editorial, La memoria administrada. El barroco y lo hispano (Katz, 2010), ¿Puedo hablarle con libertad, excelencia? Arte y poder en España desde 1950 (CENDEAC, 2010), Arte Moderno y Franquismo. Los orígenes conservadores de la vanguardia y de la política artística en España (Premio Fundación Espais a la Crítica de arte, 2008), Fotografía y activismo social (Gustavo Gili, 2006), Me, Mycell and I. Tecnología, movilidad y vida social (Fundació Tàpies, 2003) y Planeta Kurtz (Mondadori, 2002). ). En la actualidad trabaja en un proyecto sobre educación de la imagen en escuelas de Granollers (Roca Umbert, 2012), en una historia de los imaginarios artísticos de la clase política catalana (colectivo SUB, 2012-2013), en una exposición sobre autoridad y disciplina en los museos (Artium, 2013) y en el libro Historia del Arte en España. 1939-2012 (junto a Patricia Mayayo, para Cátedra, 2013)

Bibliografía
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Webgrafía
soymenos.net

- ¿Puedo hablarle con libertad, excelencia? Arte y poder en España desde 1950, CENDEAC, Múrcia, 2010
- Arte moderno y Franquismo. Los orígenes conservadores de la vanguardia y de la política artística en España. Barcelona, 2008. Premi Espais 2007
- El concepto de ciudadanía como motor de la política artística española, Centro de Arte Reina Sofía & QUAM, 2009
- Crítica e ideología en la pintura española de los años 80. QUAM, Barcelona, 1994
- La performance en los 80, entre la mirra, el incienso, las fallas y algunas reacciones, Círculo de BBAA, Madrid, 1996

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