21 et 22 mars 2014, UQAC | Animé par Robert NORMANDEAU | Dans le cadre du Colloque international "Du dispositif scénique au renouvellement de la pratique scénique" de la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre

communication de Marie-Madeleine MERVANT-ROUX, directrice de recherche au CNRS (ARIAS), et de Jean-Marc LARRUE, directeur adjoint du CRI de l'Université de Montréal, intitulée "Le théâtre et les nouveaux régimes auraux : du triomphe du magnétophone à celui du format MP3".

Le développement des technologies de reproduction du son et de l’image et les médias qui en sont nés – disque, cinéma, radio, télévision, vidéo – ont considérablement transformé l’univers des sons depuis plus d’un siècle. Le théâtre, que l’historiographie traditionnelle a prétendu à l’abri de ces changements en raison du rapport direct, entendons par cela non technologiquement médiatisé, entre la scène et la salle, n’a pourtant pas échappé à ces transformations radicales. Bien au contraire, il y a participé autant qu’il les a subies et ces changements concernent autant l’apparition de nouveaux sons sur scène que la façon de les concevoir et de les recevoir.
Cette communication rend compte des travaux que nous menons depuis 2008 sur le son au théâtre. Après avoir dressé un tableau général de l’évolution de l’auralité théâtrale depuis la fin du XIXe siècle, nous nous concentrerons sur les nouveaux régimes auraux qui sont apparus au cours des quarante dernières années, de la maîtrise du magnétophone au triomphe du format MP3. En filigrane, nous proposerons de revisiter le concept clé de soundscape qui occupe une place centrale dans le champ actuel des études sonores

Atelier-communication de Pascal SPITZ, enseignant à l'École nationale supérieure Louis-Lumière de Paris, intitulé "Les paramètres utilisés dans le travail de la matière sonore".

La spatialisation du son est l’un des questionnements fondamentaux de l’ingénieur du son à toutes les étapes de la réalisation d’une bande sonore. Ainsi je propose, à travers une démonstration pratique, une sensibilisation à la perception technique de la spatialisation en définissant tout d’abord un vocabulaire pour pouvoir analyser les différentes sensations que la spatialisation des sources procurent. Puis, je vous présenterai une mise en pratique en écoutant et en analysant des enregistrements musicaux. Les questions abordées porteront donc sur les critères suivants : quelques rappels acoustiques ; notion sur les différents plans sonores ; principes de la stéréophonie ; triangle d’écoute et point d’écoute ; latéralisation des sources ; profondeur, relief et étalement ; image stéréophonique ; stabilité et largeur de l’image stéréo.

| Captation vidéo : Amélie Berthet

21 et 22 mars 2014, UQAC | Animé par Robert FAGUY | Dans le cadre du Colloque international "Du dispositif scénique au renouvellement de la pratique scénique" de la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre.

communication de Mladen OVADJA, de l'Université de Sarajevo en Bosnie, intitulée "Futurist Synthetic Theatre and the Intermedial Potential of the Dramaturgy of Sound"

Futurist/avant-garde dramaturgy of sound celebrates voice/noise/sound not as subordinate to linguistic sense or visual sign but as an equal in every respect opening paths for a theatre of the postdramatic age. Its recognition of materiality of sound (first used as an expressive device of parole in libertà) prompted a surge of an authentic performance idiom developed from the interconnected experiments with sound in poetry and painting that lead to the invention of moto-rumorist plastic complex and abstract synthetic theatre. Such idiom stems from dramaturgical interplay of two sonic aspects of theatre : corporeal, gestural, and incantational vocal performance (in an arch from Artaud to Lyotard) and abstract/concrete architecture of the stage sound (from the Futurist synthetic to the postdramatic theatre). In this paper, I will elaborate on the intermedial character of its latter aspect that determines structural/sculptural sound stage practice. Marinetti’s “lyrical intoxication with matter” [first of all through sound/noise] required “an orchestral style, at once polychromatic, polyphonic, and polymorphous [that] can embrace the life of matter only by means of the most extensive analogies.” Transcending the borders of poetry this new “sonic writing” incited innovations in the idiomatic structure of all Futurist arts particularly in the ensuing iconic and analogical structuring of the aural, visual and kinetic elements of synthetic theatre into “fragmentary dynamic symphonies of gestures, words, sounds and lights.” Some of them like Colori, Feu d’artifice or Santa velocità embodied “a chromatic and sounding architecture in motion which unites material qualities of the individual art forms in an abstract, synthetic theatre” (Prampolini) or different media and materials included in “plastic moto-rumorist complex” (Balla, Depero). The legacy of such explorations resurfaced in the innovative mixed-means theatre of the neo-avant-garde as “a soundimage complex that is constantly communicated” (Kostelanetz), a concept that inform the intermediality discourse of the postdramatic theatre.

communication-démonstration d'Hélène MATTE, doctorante de l'Université Laval, intitulée "Silence, soliloque et polyphonie".

Cette communication s’attardera sur le projet VI_DE_DI_EU, une mise en scène de la dialectique parole-silence et son jeu discrépant entre lecture et écriture. VI_DE_DI_EU réfléchit en le manipulant le langage et ses actes. Insinuant sa propre scène tout en la déconstruisant, forçant la rencontre improbable de poètes d’horizons divers et s’invitant dans le public, le spectacle avoue sa propre méprise tout en se faisant complice de communautés singulières. Par ses jeux autour de la notion de voix (narratrice, silencieuse, enregistrée, chantée, commune) et ses stratégies performatives (risque corporel, intrusion, mise en abime, opacité des outils technologiques, modelages sonores et visuels arrimés à la gestuelle, etc), VI_DE_DI_EU offre un théâtre technologique intimiste, une proposition expérimentale abordable pour qui est prêt à se jouer de Dieu ou du langage, tête première dans la matière, les deux pieds dans le vide.

| Captation vidéo : Amélie Berthet

21 et 22 mars 2014, UQAC | Animé par Martin LALIBERTÉ | Dans le cadre du Colloque international "Du dispositif scénique au renouvellement de la pratique scénique" de la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre

communication de Jeanne BOVET, professeure à l'Université de Montréal, intitulée "Faire voir l’écoute : le dispositif de démonstration du «Vol de Lindbergh» de Brecht, Baden-Baden, 1929"

Le samedi 27 juillet 1929, dans le cadre du Festival de musique de Baden-Baden, Bertolt Brecht procède à la première diffusion de sa pièce radiophonique Le Vol de Lindbergh [Lindberghflug], écrite en collaboration avec Kurt Weill et Paul Hindemith. Le lendemain soir, dimanche 28 juillet, il en révèle la mécanique en présentant dans la grande salle de la Kurhaus une « démonstration » scénique dont le dispositif permet non seulement d’entendre l’œuvre, mais aussi, voire surtout, de représenter le média radiophonique, ses processus et ses procédés de diffusion, avec d’un côté de la scène les choristes, solistes, instrumentistes et chef d’orchestre rassemblés sous l’écriteau « Das Radio», et de l’autre l’auditeur, « Der Hörer », assis seul à sa table devant son appareil. En nous fondant sur les quelques photos de répétition et commentaires critiques qui subsistent de l’événement, nous tenterons d’en résoudre les énigmes et de montrer comment, en jouant à la fois sur l’imaginaire et la réalité du son médiatisé, ce dispositif scénique singulier a pu littéralement faire voir l’écoute.

communication-démonstration d'André Éric LÉTOURNEAU, professeur à l'Université du Québec à Montréal, intitulée "Une scène sans sol". | Captation vidéo : Amélie Berthet

Comment envisager l’écriture scénique par le son en soustrayant les planches de la scène, imaginant la multiplicité des actes possibles par l’usage d’une scène sans sol ? Trouver ainsi les interstices entre la construction conceptuelle commune de scène, et tout ce qui peut se passer de scène. En explorant la relation entre la scène et le réel, y trouver des zones de limbes où peuvent se manifester des gestes «valant pour», des monstrations, ni démonstratives, ni usuelles. À partir de ce postulat de scène sans sol, cette communication/démonstration explorera le «valant pour» de la scène dans le réel, et le «valant pour» du réel sur et/ou dans une scène. Comment le fait d’investiguer le cadre favoriserait l’émergence d’un dispositif sonore d’une scénographie sans sol ?

21 et 22 mars 2014, SCAN, UQAC | Animé par Michaël LA CHANCE | Dans le cadre du Colloque international "Du dispositif scénique au renouvellement de la pratique scénique" de la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre

communication de Yan BREULEUX, professeur au Centre national d’animation et de Design (Centre NAD) intitulée "Le langage de l’immersion"

Cette communication portera sur la problématique du langage de l’immersion. Comment tracer des liens entre l’actuelle prolifération de dispositifs de diffusion audiovisuels? Est-ce qu’il existe un langage spécifique lié à la spatialisation de l’image et du son? Reprenant les hypothèses d’Erkki Hutamo concernant la mise en forme d’une phénoménologie de l’écran, ce qu’il nomme «screenology», la présente communication portera sur la proposition d’une typologie des dispositifs de spatialisation A/V. Ce cadre conceptuel servira de base à la présentation d’une série d’études de cas.

communication-démonstration de James PARTAIK, professeur à l'Université du Québec à Chicoutimi, intitulée "Quand un projet d’artiste trouve sa voix dans l’espace public : réflexions sur l’art du dispositif techNomade".

L’art contextuel a témoigné de l’essor des artistes dans l’espace public pour créer, agir et performer. Cette communication traitera des enjeux, des problématiques et des responsabilités de l’artiste sonore qui se positionne dans les interstices du système de l’art et la technologie. Nous verrons spécifiquement le concept de techNomadisme, un portrait de l’art du détournement des technologies et des espaces invitant le spectateur docile à devenir l’interacteur, à révéler lui-même certaines questions inhérentes aux dispositifs et aux sites d’intervention où se joue notre existence quotidienne. En mettant l’emphase sur l’appropriation du dispositif technologique et culturel, la programmation et le rapport au contexte, cette communication examinera les tactiques spécifiques de l’occupation et l’imbrication des infrastructures urbaines, des créations interdisciplinaires et les technologies DIY de l’art audio et techNomade.

communication-démonstration de Philippe-Aubert GAUTHIER, artiste-professionnel de recherche pour le Groupe acoustique de l’Université de Sherbrooke), intitulée «Motifs moirés» et autres oeuvres : fragmentation de l’espace, son, distance et proximité.

Sur la base d’une présentation en direct de l’installation sonore « Motifs et moirés », Philippe Aubert Gauthier transformera ce dispositif en instrument de performance puis en prétexte de communication orale. Communication qui abordera la place de l’espace, de sa fragmentation et des notions de distance et de proximité dans son travail en art sonore. Travail à la croisée des arts, sciences, médias et technologies du sonore. Fondatrice de la jeune histoire des arts sonores, la mise en espace du son reste un sujet actuel sur les plans compositionnels, technique et médiatique. À la lueur de considérations théoriques issues de différents auteurs, Gauthier offrira une relecture de l’axe directeur de ses œuvres récentes et futures où le son dans l’espace est sujet premier.

| Captation vidéo : Amélie Berthet

21 et 22 mars 2014, UQAC | Animé par André Éric LÉTOURNEAU | Dans le cadre du Colloque international "Du dispositif scénique au renouvellement de la pratique scénique" de la Chaire de recherche du Canada en dramaturgie sonore au théâtre

communication de Robert FAGUY, professeur titulaire à l'Université Laval, intitulée "La scène poétique : mouvement et multi-modalité", accompagné d'étudiants de l'Université Laval

Notre proposition prend appui sur un séminaire de théâtrologie, La scène poétique : mouvement et multimodalité (pour une exploration des modalités poétiques en création contemporaine) qui a cours cette session-ci au LANTISS (laboratoire des nouvelles technologies de l¹image, du son et de la scène). Après avoir parcouru diverses notions associées aux poésies dites hors-livre (sonore, visuelle, concrète, numériques), nous nous sommes penchés sur la question de la multimodalité en tant que vecteurs de réception (sensoriels, langages intermédiatiques). Le séminaire visant également à expérimenter des outils méthodologiques de recherche-création, la réalisation d¹un projet scénique expérimental a été élaborée à partir de diverses contraintes qui ont été proposées afin de stimuler la création. On pense notamment à un dispositif robotique simple de diffusion permettant l’exploration du mouvement des images, des corps et des sons, mais aussi à une thématique dont la base conceptuelle, à partir du mythe de Narcisse et Écho, est apparue en cours de route en créant une séparation de différents modes sensoriels reliés à l'expérience de l’espace (modalité visuelle du double-reflet), du temps (modalité sonore du double-écho) et d¹une combinatoire associée
à l'espace-temps (modalité proprioceptive associée au mouvement).

communication-démonstration de Chris SALTER, professeur titulaire à l'Université Concordia, intitulée “Sonic Atmosphere”: Towards a Cross Modal Dramaturgy".

In his article “Atmosphere as the Fundamental Concept of a New Aesthetic,” the German philosopher Gernot Böhme argues that atmospheres are a fundamental part of a new aesthetics focused on entities that are ontologically indeterminate since “we are not sure whether we should attribute them to the objects or environments from which they proceed or to the subjects who experience them.” Atmospheres indeed are ontologically puzzling : a surplus, a not really there, an in between state, a “feeling that is nowhere.” But what is it about something “in a certain sense indeterminate, diffuse but precisely not indeterminate in relation to its character,” (Böhme) that speaks so strongly to us in our current historical moment that increasing numbers of artists, designers, architects, scholars and scientists are turning towards the artificial construction of atmospheres : intangible, hard to grasp and hold onto strange entities that nonetheless do something to us as perceiving bodies and subjects in the world.Within performance or theatrical contexts, the use of sound to create atmospheres that generate such in between states and bodily affects in perceivers is still largely underexplored. This talk will therefore attempt to develop some parameters and dramaturgical strategies for the further research and development of sound as atmosphere. Drawing on examples from outside of the history of sound in the theater, such as practices in visual and media art, psychology, cultural studies and musical composition and my own twenty years of research creation work, I will explore different ways to conceive sound as atmosphere and to examine the cross-modal relation between sound’s “added value” (Chion) in relationship to other media within performance settings.

| Captation vidéo : Amélie Berthet